COSMOGRAFIAS
Clarissa Diniz, 2021

Cosmografias, a exposição, toma de empréstimo o título de uma obra de Cecília Lima. Apesar das semelhanças entre as negras manchas informes de sua série de monotipias (2016-18) e as imagens que conhecemos de nossa galáxia, o trabalho da artista brasiliense não é somente uma evocação visual do universo. Seu gesto – o de, sobre uma folha de papel jornal, gravar o asfalto de Brasília em tinta guache – é, antes, uma ação de impregnação. Ao inscrever o cosmos não em sua suposta excepcionalidade, mas a partir de algo que nos é tão prosaico quanto o asfalto, Cecília enuncia saber-se parte dos movimentos do universo que cotidianamente nos constituem.

Como artista, ela não se filia, portanto, às fantasias de uma criação ex nihilo, surgida do nada, mas se imiscui no que já existe, por entre as forças e as imagens que já estão postas: seu trabalho é uma ação que se distribui por entre o asfalto, o tempo, a umidade, o peso, o desgaste da matéria, o calor, as fissuras, dentre tantas outras agências. Distante da ambição demiurga da arte, pouco interessa a Lima uma ficcional remodelagem das dinâmicas e materialidades do cosmos, o que performaria a centralidade Todo-poderosa que historicamente temos fabulado como lugar cativo dos deuses, dos heróis e, por vezes, dos artistas.

Como quem explora o avesso dessa ambição, os gestos de Cecília têm sido, muitas vezes, o de mover-se não em sentido autônomo, senão em consonância, acompanhando e reagindo – não sem atrito – aos movimentos que podemos tomar, em alguma medida, como cósmicos. Intenção que habita também as Cartas celestes (2001) e a série Cromossons (1994) de Montez Magno e que, mais recentemente, levou à série de desenhos (2021) que Cecília Lima tem realizado de dentro de um carro em deslocamento, cujo sacolejo se torna o ritmo de seu exercício de retratística vacilante: o de desenhar, em movimento, os muitos caminhões que cruzam o seu percurso.

Estamos, assim, diante de um singular território ético para a prática artística que, nesta exposição, está habitado não apenas por Cecília, como também por outras artistas da Galeria Index: Ludmilla Alves e Capra Maia. Juntas – e, na mostra, permeadas por obras de outros artistas, oriundas do acervo da galeria –, elas nos advertem que não estão interessadas em falocentricamente instituir suas poéticas, desejos e arbítrios estético-políticos sobre o mundo, nem mesmo a contrapelo deste.

Talvez mais do que criar ou disparar formas, dispõem-se a integrar as formatividades que, por estarem há muito em curso, extrapolam suas posições de sujeito e suas noções de historicidade: se dão para além do corpo e do espaço-tempo das artistas. Nesse sentido, Ludmilla, Capra e Cecília se interessam por processos de (trans)formação que, por estarem distribuídos entre tantas agências, tornam pouco produtivo afirmar a soberania de um estado da forma em detrimento de sua própria e plural formação.

Em torno desse horizonte ético-estético, Capra Maia convoca, por exemplo, o tempo – este que é também evocado, em Cosmografias, pelas obras de Ludmilla Alves, Manoel Constantino e Manuel Messais. Voraz, sua radical impermanência pinta junto com Capra, que conta com o envelhecimento e com a deterioração enquanto formatividade. Seu ateliê é, por isso, propositadamente aberto à umidade e ao calor. À Capra interessam a poeira, a sujeira, a ferrugem, o que sobra da construção civil: o pensamento pictórico que vem com o vento e que se assenta sobre uma tela à espera da ação do desconhecido.

Como indicam as pinturas Entrópica I, II, III e IV (2016), a ideia de entropia tem sido cara a Maia, como outrora foi encarada como força compositiva pelo cearense Antônio Bandeira, cuja cósmica pintura de 1962 dialoga, nesta exposição, com a obra de Capra. Em 2021, a artista brasiliense tem desdobrado seu fascínio por aquilo que escapa ao controle, à ordem ou à previsibilidade para além da agência das próprias matérias ou dos fenômenos ambientais para incluir também a ação da alteridade, seja ela humana ou animal.

Saturno: sempre faminto (2021), uma série de pinturas devoradas pelos cães da artista, sustenta ético-esteticamente que destruir, na medida em que transforma, também é um modo de criar. Destroçadas e, por isso, redesenhadas em suas bordas, em suas manchas e em seus volumes não pela artista, mas pelas mordidas e solavancos de suas crias caninas, essas pinturas plasmadas por seu próprio arruinamento suscitaram o desejo de convocar também outra ação de desgaste para seu processo pictórico: o peso dos corpos em movimento, fenômeno estudado também Lucio Fontana em desenho de 1953 que integra a mostra.

Assim, especialmente pensada para o espaço da Galeria Index, uma pintura de chão ocupa o centro da exposição Cosmografias como um território; obra a ser percorrida, habitada. Como um convite aberto às “trilhas do desejo” – traçados que emergem nos vastos campos verdes da capital federal que, desobedecendo à ortogonalidade de seu desenho urbanístico, indicam caminhos inventados por seus pedestres no uso da cidade planejada –, a pintura sabe-se inacabada. Mais: compreende que seu desenho é inseparável do desgaste da matéria nela inicialmente depositada, elegendo não a conservação, mas a transformação como seu horizonte ético-estético.

Memórias do fogo (série de golpes) (2018), de Ludmilla Alves, igualmente invoca uma construção coletiva. Instalado desde o teto, um grande pedaço de carvão forma um pêndulo sobre a parede, reagindo ao ambiente, movendo-se de acordo com o trepidar do espaço e, fundamentalmente, pela ação de nossas mãos, corpos, forças. Já havendo sido instalada no espaço público (versão intitulada Carta aberta (2015)), a obra é um dispositivo que incita a elaboração de enunciados, de sentidos e de usos que possam imprevistamente negociar suas diferenças e perspectivas.

De proporções atípicas, o pesado carvão demanda esforço e produz atrito para inscrever sobre a parede, maculando-a. Como em outros trabalhos nos quais Ludmilla explora a queima, os destroços ou as ranhuras, Memórias do fogo não salvaguarda os espaços lisos e brancos das utopias democráticas que tomam por certos os lugares de fala. Ao contrário, nos põe a experimentar as vozes, as escritas e as imagens coletivamente produzidas num contínuo exercício de agir com outras materialidades e corporeidades num processo de ocupação de espaços que pode ser, também, o de uma disputa por protagonismos que evocam memórias e especulações incendiárias.

Assim, a obra e o pensamento pictórico da artista se fazem por meio de um repertório de gestos que não obliteram a violência que lhes dá forma. Golpes, inversões, impressões, incisões são alguns dos verbos que, orbitando o universo estético de Ludmilla Alves, apontam para a dimensão política de seus modos de compor, dando a ver que, em sua obra, também as materialidades (re)agem e, assim, performam sua alteridade.

É o que provoca a série Nômade (2018), uma “prática de longa duração em pintura” com materialidades como argila, pedras, torrões e madeiras queimadas, muitas delas colecionadas pela artista durante caminhadas no cerrado. Se a ação de Ludmilla é mandatária no momento da extração e do deslocamento inicialmente engendrado pelo trabalho, nos arranjos subsequentes – as pinturas –, é o movimento precipitado acidentalmente nas tramas entre as materialidades, seus contextos de exibição e os corpos neles implicados que vão ininterruptamente formando a pintura. Nômade, portanto, é o próprio centro gravitacional do processo pictórico, instituído de modo a mover-se e a vulnerabilizar-se junto às muitas agências do mundo.

Assim, como revela a série Vacilantes (2020), de Cecília Lima, a instabilidade das formas é um processo criador. Aliadas ao tempo e à sua impermanência, movendo-se junto a outras forças, em desequilíbrio e dispostas a não se preservar, as obras de Capra, Alves e Cecília reunidas em Cosmografias sublinham a formação como estado/trabalho contínuo, transformando-se.

Ao propor e inventarem modos de distribuir as agências que tradicionalmente conformam as obras para além da vontade e dos gestos criadores de seus autores, as artistas aqui reunidas fazem, da arte – e, inextricavelmente, da vida –, “uma dança cósmica”, como nas palavras de Ailton Krenak. Cosmografando suas existências e transformações, têm buscado sustentar, desde suas poéticas e em meio a esse que é um dos mais duros momentos de nossa história recente, “a coragem de ser radicalmente vivas” (AK).